Lina

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Vernissage le jeudi 16 janvier 2014 de 18h à 21h

Deuxième exposition du cycle du 17 janvier au 16 février 2014 sur rendez-vous au 5 quai de Bourbon sur l’Ile Saint-Louis à Paris

avec
Jean Baptiste Bernadet
Rémy Brière
Mimosa Echard
Maude Maris
Lina Scheynius

et sans
John Armleder

Commissariat Mathieu Buard & Joël Riff
Hospitalité Johan Fleury de Witte


Le terme Outresol est une fabrication, il engage un espace, panorama ou caverne qui produit l’écrin ou l’écran suffisant d’une perception sensible spécifique prise dans un mouvement. L’outre est la posture du devenir, d’un dépassement nécessairement éprouvé, d’un changement d’état et de statut. L’outre s’invente dans un mouvement, une dynamique croissante telle une libération, un excédent heureux mais contingent de son point de départ. L’outre, c’est la volonté d’un advenir. Le sol est une condition, un socle, un support, d’un territoire.

(…)

L’Outresol c’est alors la tentative de travailler sur la frustration du regard, et de sublimer l’expérience interrompue, de mettre en tension le regard du spectateur. Il s’agit en d’autres termes de porter une lecture narrative, récit individualisé, dans l’expérience et le déplacement du spectateur et d’apporter un point de vue clivant, un point de concentration sur l’extraordinaire de l’œuvre, sur son étrangeté autant que sa toute disponibilité à être contemplée, comme les fruits d’une nature heureuse.

Ce second volet observe et planifie l’aberration, optique, physique, fantasmée, des modes de compositions et de perceptions. Cette trajectoire déplacée n’est plus exactement prise dans un mouvement conventionnel, mais extra-vagante, étymologiquement parlant. Les œuvres inscrites dans ce terrain seront à contourner, à excaver, à discerner : le spectateur, explorateur, géologue, fera l’expérience parcellaire d’une vision désagrégée, éclatée comme un kaléidoscope qui, apposé sur ce lieu, définit un regard où s’offre à voir de façon concomitante et pourtant différé, un foyer de discontinuités saisissantes.

Les agencements, contractés, distribuent des éléments ascendants et descendants, qui pointent un milieu, un chemin en Outresol et implicitement conduisent les corps. L’œuvre, seule, se définit alors tel un agrégat convexe qu’il faut déplier, forme concentrée et brillante dont le centre n’est pas identifié clairement, et qui de fait se déjoue, indémasquée. Cette imperméabilité, c’est alors aussi ce qui fait écran : paroi, verticalité, ensemble de plans quoi qu’il en soit obturés. Aussi, les émergences et suspensions activent les circulations et déplacent les densités pour le spectateur. Elles jouent comme les composantes d’une terre, sédimentation qui formalise une impesanteur. Ce qui tombe, ce qui monte, ce qui vient au devant, ce qui s’efface dans une profondeur concave, motive la perception. Le hors champ surgit comme un récit parasite, qui détourne et pose des aberrances supplémentaires.

Sous cette voûte, rien ne fixe définitivement le rapport des échelles et cela désarrime les œuvres d’une certification. Les fragments élémentaires, telle une irruption bouillonnante de fossiles, font corps en s’éloignant d’un type ou d’un système médian. Cette série d’observables installée en Outresol, apparaissent dans ce sentiment d’un inquiétant familier, dont la représentation est acquise mais dont la fiction anime les interprétations. L’absence d’une focale majeure se pose pour le spectateur comme l’enjeu, la quête de la compréhension des niveaux de définition, de la netteté, d’un mode de représentation. Focale et foyer bousculent l’affirmation de la surface comme devenir netteté, le mur comme proposition d’une dimension appliquée, la masse comme format. L’aberration produit une image manquante, empreinte de décompositions, de déformations, de disruptions, de diversions, d’écarts, étrangement. Les calcifications de merveilles sont alors une perspective, selon une succession de vertiges perceptifs.

Ainsi se présente l’estuaire de nos diffractions.


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Prochaines ouvertures
samedi 18 de 17h à 19h
lundi 20 de 14h30 à 15h30
vendredi 24 de 17h à 18h
samedi 25 de 17h à 20h
dimanche 26 de 17h à 18h
mercredi 29 de 17h à 20h
vendredi 31 de 18h à 20h
samedi 1er de 18h à 20h
lundi 3 de 16h à 18h
jeudi 6 de 12h à 14h
samedi 8 de 18h à 20h
vendredi 14 de 18h à 20h
samedi 15 de 18h à 20h
lundi 17 de 18h à 21h

Agrrrrrégats et grrrrravités seront agrrrrrémentées de grrrrrorgées de Grrrrr
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Ces superbes vues sont réalisées par Nicolas Brasseur

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Par Ashley Conery dans 7x8kuratoren.org le 16.02.2014 – Consulter le contexte original

Each decade is inevitably marketed by certain trends, placed in parenthesis by following trends. As they say, we see what we want to see, and on that path history is written. Perhaps a more accurate statement would be that we see what we already know. Those on the fringes often introduce the biggest changes and more often then not, we cannot even register their existence until they are already at the gate.  Duchamp’s Coal Bags, Frank Stella’s U-T-,and L shaped canvases and Leo Castelli’s …Leo Castelli did not come out of no where. They were distant ships poised to wipe out all that came before them.

For some the trend I am about to introduce may be completely new, sound completely ludicrous, or perhaps strike a cord. Certainly, I can say with personal authority (which is meaningless unless you know me) that this particular trend is gaining recognition in North America. In Eastern Europe I would say that arts purpose, as this blog has well discussed, diverges too far from Western value systems for this term to be relevant there. However, in Western Europe this movement may be so widely accepted as part of the norm, it has silently slipped by any art historical body, media, museum or other. Some are calling it Interstitial Art & Design. I have lately been so bold as to conjecture that in Paris they may call it ‘habit’. The art of design was arguably invented in Europe. Design has aligned itself with art since the period when Chateau’s were being built with the expectation of fresco’s and chairs designed to emulate romantic lines ending in arabesque. In my opinion the point at which art and design are considered distinct, remains under researched. A undertaking well beyond this blog post, though undeniably what inspired it.

The distinction between art and design is exhibited through separate fairs, and museums floors. Yet open an Artforum, Architectural Digest, or Monocle and the cross-over, to me, seems obvious. The distinction between an art and a design object is often only a difference in functionality. Whether one agrees or disagrees with this proposed cross-over, a second question arises, is curating a faculty of design or art? Recently I have been actively taking apart Brian O’Doherty’s “White Cube”, in an effort to create a timeline indicating turning points in the format of art exhibition making. Current economic constraints have lead to the creation of third or “off” spaces, in which the exhibition of art takes over a space not necessarily designed for that purpose. Hotel rooms, street cars and cellars are taken over by curators, creating spaces in which art lives. The clinical setting of the white cube that presents art through a process of alienating the viewer, is replaced with warmer more familiar surroundings. Placed about the space art can often be found on the floor, in cupboards, bookshelves, on desks and even the ceiling. Remaining furniture is often emptied of all usual objects and accepts its new role as a support of art – a poor mans plinth (I kid). There are galleries engaging in this ‘off-space’ effect, finding unique spaces and painting them white. Curators choose them for their unique qualities and engage them to every edge. I am reminded of Ei Arakawa’s “Why Painting Now” exhibition at Galerie Meyer Kainer 11.10.13-14.11.13 in Vienna.

Recently I had the pleasure of discovering the space of Johan Fleury de Witte. On the Ile Saint Louis in Paris.
There, under barrel volts, in the basement where once an office lived, he invites curators two or three times a year for short run exhibitions. From January 17 to February 16 he hosted OUTRESOL an exhibition co-curated by Mathieu Buard & Joel Riff. The exhibition is one in a series of ‘Outre-’ that have happened in several locations in and around paris. Each have engaged an ‘off-space‘ of sorts, allow the space to dictate the layout of the work within. In Riff’s words, they’re “fighting for a total freedom to show what [they] want and how, whatever categories and habits”. Both actively engaged in the ‘scene‘, Buard & Riff also teach design. Riff is notorious for visiting every single exhibition in paris equaling roughly two hundred a month (though he notes that the number of exhibitions in Paris is slowly diminishing). His blog, entitled chronique Curiosité, is an excellent guide to art in Paris, past and present.

OUTRESOL’s incarnation in de Witte’s Cavern includes work by Maude Maris, Rémy Brière, Jean Baptiste Bernadet, Lina Scheynius and Mimosa Echard. Many of the artists use commonly found objects, overting their function. Rémy Brière’s Série Bronzes ephemères which includes flowers  and a watermelon (still contained inside their bronze cast) are carefully placed on the floor or a table. Maude Maris’s “Curiositiés” made from polystyrene, fill a book shelf. Photorealist depictions of them cast about surfaces, are hung low to the ground or as the single object in yet another book shelf. The viewers path is not as obvious as in a conventional white cube, in which the art forms a ring around the room. Nor is the purpose of the space as clear as the contemporary gallery. The art now serves the function of defining space.

Certainly, artists often participate in the placement of their art objects. However, OUTRESOL in all its incarnations exhibits a shift brought about by the ‘off-space’. The gallery space is no longer a seemingly predetermined space outside of the curator or artist’s sphere of influence – after a long history of futile attempts to push against its white walls. The off-space introduces a far more collaborative format for exhibition making in which the design/space choices made by the curator have a direct and transparent effect on the art invited in. Interstitial Art & Design, is commonly defined as that which sits in between art and design – teetering on craft, often functional, but with very clear limitations. This definition is still being defined by those creating within it. What I offer here is an addition to that definition. One that includes art that sits between the readymade and Eugene Reznik’s Glitch Furniture. Art that is ready and willing to be transformed into an ‘objet’ in the ‘off-space’. Where its presence makes us question what composes a living room or an office and why we put fruit on the dinning room table.


Par Benoît Blanchard dans Oeuvres le 29.01.2014 – Consulter le contexte original

Dans l’espace réarrangé, les meubles deviennent des obstacles, partout où l’on voudrait circuler, on se heurte. Contraint, on les évite. Mais si les pas sont entravés, le regard lui progresse, rallongeant considérablement le parcours, pareil en cela aux dentelles de buis aux abords des châteaux français, si promptes à rendre son autonomie à la vue. Sous certains angles des œuvres escamotées réapparaissent ; alors que l’on croyait faire face à un cul de sac, d’autres sont réassociées, avant de devenir à leur tour une gêne.

Or rien n’est végétal dans ce sous-sol à salpêtre, les murs voutés font corps avec une poussière blanchâtre qui marquent les imprudents croyant fuir un instant l’exigence de l’accrochage en se reposant tout contre eux. Les dessins de Jean-Baptiste Bernadet ont la couleur de ces particules grisonnantes, ocre et oxydées, dont ils semblent en être un badigeon – moisissure rampante contenue entre deux feuilles de plexiglas. À ces nuances, la pâleur nacrée des peintures de Maude Maris offre l’aspect érodé que l’on trouve dans les cavernes où rien n’a bougé depuis la nuit des temps et où, pourtant, les formes et les creux accusent l’usure de l’humidité et de la vie microbienne qui les a lentement façonnés.

À pénétrer cette caverne, on s’effraie qu’au moindre mouvement brusque, tout pourrait s’envoler en nuages, cette fausse stabilité, simulée par le silence immobile y régnant est un leurre, chaque particule est à sa place, et toutes sont suspendues en un équilibre précaire, alvéolé d’effondrements potentiels, piqué de cataclysmes microscopiques mais innombrables. Cette caverne, à peine l’aura-t-on abordée, à peine y aura-t-on élevé la voix, que déjà plus rien n’en subsistera.

Alors, les vidéos de Lina Scheynius ne tourneront plus que pour être retrouvées. Les monticules mousseaux de Mimosa Echard se fossiliseront aux côtés des tiges de Rémy Brière, plantées dans la masse comme des bâtons de skieur pris sous une avalanche ; et seront observées avec une extrême prudence, à la fois boussole bloquée, matière à aruspices et formidables symptômes calcifiés.


Par Léa Chauvel-Lévy dans Slash le 25.01.2014 – Consulter le contexte original

Deuxième exposition du cycle, Outresol dévoile un paysage bouillonnant de la création contemporaine. C’est en sous-sol que les œuvres des artistes Jean-Baptiste Bernadet, Maude Maris, Rémy Brière, Mimosa Echard et Lina Scheynius prennent place comme autant de reliques d’un temps présent. Sous le commissariat du duo Joël Riff et Mathieu Buard, le parcours impose un silence habité où il est essentiel de plonger.

Dans ce sous-sol si bien choisi s’ouvre à nos yeux Outresol. Tapies dans l’ombre d’une ancienne garçonnière de l’île Saint-Louis, les œuvres ne se donnent pas immédiatement au regard. Tout semble tenir ici du secret. Sans être cachées ou dérobées, certaines pièces sont blotties dans un coin ou derrière un meuble. Il faudra se pencher, enjamber, se faufiler, se hisser sur la pointe des pieds pour voir certaines créations qui aimantent de leur présence et appellent, muettes, le regard.

Entre les pierres de ces pièces voûtées dont le sol cramoisi évoque de loin en loin certaines salles de cinéma délaissées, règne un temps particulier, rythmé par une langue vernaculaire qui seule sait l’habiter. Langage subtile et délicat des avant-gardes d’un art en puissance, qui se tisse au temps présent.

Maude Maris, jeune artiste exposée récemment à la galerie Gounod s’intéresse à la typologie d’objets chinés, les sculpte quand elle ne les peint pas. Ses toiles nimbées d’une lumière blanche et ses sculptures nacrées composent un monde fantasmé d’objets qui s’emboîteraient parfaitement, représentés le plus souvent par paire. La peur du vide, peut-être, appelle l’emboîtement. Plus loin, les bronzes éphémères de Rémy Brière, posés à même le sol affichent une belle oxydation. Le cours de la vie a passé, l’esprit du temps y est fossilisé et, avec lui, une douce idée de la nature incarnée par un pistil et une tige fièrement dressée. Des œufs évidés posés sur des socles peuplent encore cet espace oulipien à côté de canettes qui jadis contenaient du jus de fleurs de chrysanthème…

Le parcours, sans début ni fin, n’est sûrement pas sans queue ni tête. Au contraire, la fantaisie qui l’irrigue signe un geste précis et bien pensé des commissaires dont le troisième volet se fait déjà attendre.


Et tout sur OUTRESOL, première exposition du cycle qui s’était tenu du 2 au 29 mai 2013
avec Florian Bézu, Mireille Blanc, Sylvain Couzinet-Jacques, Anne Laure Sacriste, Lina Scheynius et sans Robert Malaval.